JK: Umano e Natura sembrano essere un tema dominante nel tuo lavoro?

AD: Sì, la relazione tra umano e natura, la profonda interconnessione, mi affascina da molto tempo. Proprio all'inizio la scelta del materiale è molto importante. Le caratteristiche specifiche e le peculiarità della sostanza indicano la strada da seguire.

JK: Come influenza il processo di produzione?

AD: Il passato del legno, la sua storia intrinseca, appare quando viene trattato e lavorato, a tal punto che non posso ignorarlo. Fondamentalmente, è un dialogo tra proprietà specifiche come peso, morbidezza, flessibilità, che poi si traducono in forma e tridimensionalità.

JK: Hai sviluppato una sensibilità insolita per soddisfare queste esigenze?

AD: Dopo un po' di tempo, ti rendi conto che stai creando una collaborazione tra sostanza e una nuova forma. In tal senso, il processo di produzione è importante quanto il risultato finale. Se il dialogo è stato intenso, si traduce in una forte aggregazione simbiotica di sostanza e nuova forma e la scultura è autentica, almeno per me.

1° Ottobre 2024

JK: Nella nostra ultima conversazione, Enrico, hai detto che non ti attieni più a un'immagine quando dipingi?

EM: Sì, ho smesso di usare immagini di qualsiasi tipo. Un'immagine è rappresentazione. Sia l'immagine che la rappresentazione sono ciò che sto cercando di evitare.

JK: È stato facile farlo? E cosa stai dipingendo ora?

EM: In realtà ho sentito una vera libertà quando ho scartato le immagini. È stata una libertà liberatoria poter fare ciò che mi piace. Improvvisamente tutto il processo della pittura è sembrato più semplice. Ho iniziato a dipingere utilizzando i ricordi da un lato, e dall'altro lato ero guidato da soluzioni immanenti al lavoro, nel senso che il modo in cui dipingo richiedeva decisioni, che sono più o meno spontanee, ma basate sulla mia formazione e sulla mia esperienza di pittore.

JK: Deve essere un modo molto soddisfacente di dipingere e penso che si possa vedere e sentire.
Il silenzio senza tempo nelle tue opere sembra trasudare ottimismo, in contrasto con il carattere leggermente morboso che si può ottenere con la solita pittura di nature morte.

EM: Ho sviluppato l'uso di materiali particolari come l'epossidica, preparazioni speciali per le tele, supporti tecnici che diventano funzionali al risultato che desidero ottenere, principalmente per migliorare gli effetti di creazione di questo tipo di ambiente e temperatura dell'opera. Il processo segue più la mia intuizione che la razionalità. La pittura di nature morte si basa sulla vita e sulla sua rappresentazione. I miei dipinti sono immobili e basati sul mio flusso creativo.

9 ottobre 2024

JK: Paolo, usi sempre il cemento per le tue sculture.

PM: Il cemento soddisfa l’esigenza di rappresentare concettualmente la contemporaneità, mentre mantiene vivo un dialogo con le correnti artistiche del novecento che amo di più: l’arte povera o a certa arte pop americana degli anni ‘60 o ’70. Lo stesso principio vale anche per altri materiali che utilizzo per fare scultura: cere, carbone, terre refrattarie. Attraverso la selezione delle materie mi interessa veicolare delle coordinate che permettano di entrare immediatamente in relazione con le forme e i mondi che tratteggiano.

JK: Paolo, le tue sculture raffigurano persone adolescenti o bambini. Perché?

PM: Lavoro sulla figura del “bambino” perché fin dagli albori della mia ricerca ho sentito forte l’esigenza di isolare e rappresentare quello che, per me e per il mio vissuto, è il momento emblematico della creazione artistica stessa: Il passaggio fra infanzia e adolescenza. Ho voluto dare corpo a questo spazio/tempo liminale dove accade, quasi in sordina, nascosta sotto strati di norme e convenzioni, la vita nella sua purezza più perturbante. L’energia che distingue questo tempo segreto per me coincide con l’atto della creazione artistica, ed è questa energia in fin dei conti il vero s/oggetto delle mie sculture.

JK: Quindi, quale sarà il prossimo passo?

PM: Negli ultimi mesi mi sto concentrando sulla scomposizione e ricomposizione della figura attraverso l'utilizzo di differenti parti di calchi precedentemente modellati. Questa pratica mi permette di non sapere mai fino in fondo quale sarà il risultato finale dell'opera. L'opera apparirà come una matrice aperta, tesa al cambiamento costante.

16 ottobre 2024

JK: Simone, come ti sei sentito quando hai visto il tuo dipinto accanto all’opera di David Altmejd?

SR: È stata una piacevole sorpresa e una grande soddisfazione. Ho solo 22 anni ed è bello vedere i miei dipinti in una nuova collezione che si sta formando con opere di giovani artisti ma anche di altri già affermati sulla scena artistica internazionale, in una splendida sede e città.

JK: Potresti descrivere come studiare a Venezia ha cambiato il tuo lavoro?

SR: Prima di arrivare a Venezia non guardavo affatto all’arte contemporanea: mi sono formato da autodidatta osservando soprattutto Caravaggio, Rembrandt e pittori del Seicento. Venezia mi ha aperto a un nuovo mondo, un nuovo approccio alla pittura, ma non solo. Non lavorare più da solo, ma insieme a altri 40 pittori ogni giorno, sempre con nuovi stimoli e suggerimenti, mi ha portato a creare spazio, ad aprirmi a qualcosa di nuovo. Lasciare andare l’eccessivo controllo sull’immagine, non fare sempre e solo ciò che mi piace, prendere il giusto distacco emotivo da ciò che faccio sono stati alcuni dei punti fondamentali dell’insegnamento appreso a Venezia, nell’Atelier F dei professori Di Raco e Scavezzon. Se quattro anni fa mi avessero mostrato una delle mie opere di oggi e mi avessero detto “un giorno dipingerai così”, avrei risposto “assolutamente no”, e trovo questo bellissimo. È stato e continua a essere un processo liberatorio, direi.

JK: Antares, la mostra d’arte annuale a Venezia: la combinazione delle opere dei tuoi compagni di studi e di artisti più anziani e affermati. Questo concetto funziona ancora o hai proposte di miglioramento?

SR: Il dialogo, il confronto tra artisti con linguaggi e età differenti che avviene ad Antares è stato un passaggio davvero fondamentale nella mia crescita. Lavorare d’estate, per tre mesi, in un luogo come Antares mi ha posto davanti a sfide che prima di affrontare sembravano così grandi, a partire da quelle più pratiche come dipingere un quadro di 300×400 cm… è un ambiente che ha ridimensionato molti dei miei limiti e delle mie paure. Non so come potrebbe essere migliorato, penso che offra già molto e che abbia già una propria identità ben radicata che distingue il collettivo Atelier F. Un luogo immenso dove si possono realizzare grandi dipinti, diciottenni che lavorano ogni giorno insieme a persone di 30/40 anni, facendo ciò che amano con dedizione e disciplina, dove si creano anche nuovi legami umani e professionali. Ovviamente anche questo contesto ha i suoi limiti, ma secondo me spetta al buon senso di ciascuno capire quando non è più il luogo giusto per crescere e diventa solamente limitante.

18 giugno 2025